Pour la première fois, en collaboration avec l’association Allô Villages, Fresque un art s’expose.  Les samedi 17 et dimanche 18 mars 2012, un parcours des artistes sera organisé dans les Yvelines, sur cinq communes adjacentes : les Alluets-le-Roi, Orgeval,  Médan, Morainvilliers et Villennes-sur-seine. Les artistes vous ouvriront les portes de leurs ateliers de 14h à 19h.
Fresque un art vous attend dans ses locaux, à Orgeval. Entrée libre.

Contact pour adresse et accès complet : fresquemoderne@hotmail.fr
Visualiser le catalogue d’exposition : cliquez ici

Francis Bacon disait à propos de l’atelier de l’artiste, qu’il «n’est pas comparable au studio d’étude de l’alchimiste qui cherche la pierre philosophale – une chose qui n’existe pas dans notre monde – il serait plutôt comme le laboratoire du chimiste, qui n’empêche pas d’imaginer que certains phénomènes inattendus pourraient apparaître, bien au contraire, en fait ».

Contrairement à un peintre classique qui peut, s’il le désire, exprimer directement sa créativité sur la toile, les choses se révèlent bien différentes pour le fresquiste. Il est en effet confronté dans son processus créatif à deux types de réactions chimiques.

La première, de composante psychique, doit avoir lieu dans son esprit bien avant de peindre le mur. En effet, il est impératif pour lui d’avoir déjà conçu, réfléchi et terminé son œuvre avant de commencer à façonner son support. Les lignes doivent avoir été dessinées avec précision, les couleurs testées, les quantités de sable et de chaux ainsi que les temps de pose et de séchage mesurés. Dans ce cadre, la « magie créative » est donc réservée au dessin préparatoire.

La deuxième est purement physique.  Au fur et à mesure du séchage, la chaux réagit avec l’air pour se transformer petit à petit en calcaire et bloquer ainsi les pigments dans le mortier, sous une fine couche de calcin, suivant la formule suivante : Ca (OH)₂ + CO₂ = H₂O + CaCO_3.

Il en résulte pour le fresquiste un temps limité d’action. Une fois la surface sèche, la chaux va continuer à réagir pendant plusieurs semaines. Le rendu définitif d’une fresque, ses couleurs notamment, n’apparaitra donc que bien plus tard et le peintre peut se retrouver impuissant face à l’apparition de certains défauts : efflorescences ou fissures diverses…

Frustrant ? L’exemple avant/après du portrait exposé ci-dessous montre que le petit format permet de conserver une part d’imprévu au moment de la réalisation. Raison de plus pour rester dans des tailles raisonnables !

Fresque un art par Minh Hanh Maudoux
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Mel Lyman, 2012 (d’après photo, Diane Airbus, 1968). 30*30.

Vous avez été 2300 visiteurs attirés par la diffusion mensuelle d’un article sur ce blog : ce qui veut dire, 20% de plus que l’année dernière !

Les pages qui vous ont le plus intéressé : le COD, la galerie, sujet mural, le concept, le lexique.
Vos thèmes de prédilection ? Ils restent les mêmes : Fresque moderne, Fresque contemporaine, composition murale moderne, technique de fresque murale…
Nous vous remercions de votre fidélité et espérons continuer à susciter votre attention en 2012.
A très bientôt sur fresque un art !

Fresque un art par Minh Hanh Maudoux
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Matériaux, dosages, temps de pose pour des supports Arriccio et Intonaco réussis.

Fresque un art par Minh Hanh Maudoux
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Qui peut bien être Mademoiselle Gravillon ? Et d’ailleurs comment se fait-il qu’à 70 ans passés Mademoiselle Gravillon s’appelle toujours Mademoiselle ? Portrait par Diane Airbus. (Extrait du texte Mae West : Once Upon Our Time, janvier 1965, Diane Airbus Magazine Work).

Mademoiselle Gravillon, 2011. D’après photo. (Diane Airbus, 1965). 32*46.

Je n’ai jamais été capable de dormir avec quelqu’un. J’ai besoin d’un lit double entier afin de m’allonger au milieu et d’étendre mes bras des deux côtés, sans être dérangée.

Le sexe ? C’est une sorte d’émotion fluctuante. L’amour est ce que vous en faites et avec qui vous le faites.
Les hommes : je veux pouvoir les absorber tous. On m’a demandé une fois, quels seraient les dix hommes que j’aimerais rencontrer et fréquenter. Pourquoi seulement dix ? Pourquoi pas cent ? Ni un millier ?
Pas tous en même temps, ça c’est sûr. Mais toutes les possibilités qui en découlent titillent mon imagination.

Je me rappelle toujours leurs visages. Leurs noms, au contraire, ne m’ont jamais paru importants. Il y a un homme pour chacune de mes humeurs… Tous les hommes ne sont pas préparés ou formés à l’amour. Deux femmes uniquement ont leur importance : la première, c’est leur mère, la seconde, leur maîtresse. J’ai trouvé des hommes qui ne savaient pas comment embrasser. J’ai toujours pris le temps de le leur apprendre…

Mademoiselle Gravillon, Mademoiselle Gravillon, Mademoiselle Gravillon.

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A partir de ce jour, Fresque moderne rejoint les réseaux sociaux. Actualités du blog, fils d’information sur vos sujets préférés… de nouvelles rubriques sont à l’étude. L’objectif ? Partager avec vous les questionnements du jeune artiste moderne.

ACTUALITÉS : Retrouvez toutes les actualités liées à la fresque traditionnelle (nouvelle découverte, technique, restauration…)

TO BE OR NOT TO BE AN ARTIST : cette rubrique aura pour rôle de mettre en avant la parole d’un artiste reconnu de ce monde, sa vision de la condition de créateur, ses sources d’inspirations…

ASTUCES TECHNIQUES : cette rubrique dédiée à ceux qui produisent, donnera les clés pour devenir spécialiste de la fresque.

NOUVELLE ŒUVRE : Annoncera la publication d’un nouveau post sur ce blog et vous invitera à découvrir la dernière œuvre ajoutée à la galerie.

Fresque moderne a également décidé d’ouvrir ses posts aux commentaires, de manière à rendre les échanges plus interactifs (règles de bonnes conduites à retrouver sur la page Le concept). Alors n’hésitez plus et venez rejoindre le cercle Fresque moderne !

Fresque moderne on

Ange déchu, 2011 (d’après étude pour sculpture, pinacothèque du Vatican). 32*46.

Michel Ange n’a jamais achevé les Esclaves. Étonnant en 1513 mais curieusement précurseur vu de notre époque. Alors, paresseux Michel Ange ou tout simplement génial ? Rien de tout cela. Les Esclaves sont seulement l’expression originale de la pensée d’un homme de son temps.

Le projet de Michel Ange pour le tombeau de Jules II était destiné à être érigé au centre de la basilique Saint-Pierre de Rome (en lieu et place du baldaquin en bronze du Bernin visible aujourd’hui). Initialement de forme pyramidale, le tombeau était conçu pour représenter l’ascension progressive de la Terre vers le Ciel, avec à sa base, les fameux Esclaves du sculpteur, désormais exposés au Louvre.

De nombreuses hypothèses ont été faites par rapport à leur état non achevé. Les unes sont liées au courant néoplatonicien qui avait cours au quattrocento et décrivent des âmes tourmentées par leurs incarcérations corporelles qui s’efforcent de s’arracher au corps mortel (la matière). Les autres, se réfèrent à la religion en évoquant des Esclaves en résurrection vers la vie éternelle.

Michel Ange partageait ainsi avec son temps un certain culte de l’Antiquité, dans lequel « le corps humain dans son état présent est une œuvre inachevée, dépravée et qui ne réalise pas encore la forme qui la fera paraître en acte, et de toute éternité : la création de l’homme, abîmée par le premier péché, ne sera restaurée qu’avec la fin des temps. L’homme est ainsi l’esclave d’un corps grossier qui ne redeviendra lui-même, c’est-à-dire corps glorieux, qu’avec sa transfiguration dans la vie éternelle ».

Les Esclaves de Michel-Ange sont l’image d’une force spirituelle qui s’arrache à la matière, travaillée par le désir de l’éternité. C’est ce à quoi nous a fait penser cet ange déchu, inspiré d’une étude pour sculpture du Bernin, tout de paille, fils de fer et terre séchée vêtu…

Passages et explications tirés du blog de Jacques Darriulat, normalien, agrégé de philosophie et Docteur d’Etat. Il est maître de conférences à Paris IV.

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Jeune fille dans l’eau, 2011 (d’après sculpture, jardin de Boboli, Florence). 32*46.

Si vous avez l’opportunité de vous arrêter pour quelques jours à Prague, une fois le pont Charles franchi et gavé de Goulash local, ne manquez pas la visite de la Black Madonna House et de sa galerie, véritables témoignages du cubisme tchèque.

Né et mort à Prague (1911-1920), ce courant architectural, redécouvert en 1960, fut directement inspiré du cubisme français incarné à cette période par Pablo Picasso.

Il prit sa source en la personne de Pavel Janák, un artiste fortement lié à la communauté parisienne, qui le premier en développa les principes au travers de la publication d’un essai : The Prism and the Pyramid et la création d’un groupe de pensée, the Group of Fine artists. Il fut ainsi rejoint par des personnalités telles que Otto Gutefreund (sculpteur) Josef Gočár (peintre, également concepteur de la Black Madonna House),  Vlastislav Hofman (architecte)… qui s’attachèrent à appliquer les figures de style de ce cubisme particulier en peinture, architecture, design d’intérieur, objets d’arts et ameublement…

A la recherche des motifs géométriques de la pyramide, du polygone ou encore de la facette du cristal, vous vous apercevrez que Prague regorge de petites merveilles cubistes : façades, lampadaires, garde corps ou encore cages d’escaliers.

La Jeune fille dans l’eau présentée aujourd’hui, cache aussi son secret cubiste… à vous de le découvrir.

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Egon Schiele aurait-il peint de la même manière s’il était né 60 ans plus tard ?

Appréhension du monde, comportement, mode d’expression : nous appartenons tous à une époque. Au début du 20^e siècle, Egon Schiele, formé aux arts décoratifs, avait pour contemporains Munch, Klimt, Gauguin, Rodin… tous ont contribué à l’élaboration de son style. L’expressionnisme autrichien : « Avec la notion de creuser sous la peau au sens vrai du mot, c’est-à-dire mettre à nu les muscles et les nerfs et tenter avec des preuves cliniques d’atteindre une expression similaire pour les états spirituels » (Egon Schiele, Erwin Mitsch, Phaidon, p.19), telle était la manière de représentation « à la mode » plébiscitée en son temps.

Il est bien possible, que né un demi-siècle plus tard, le talent de Schiele se soit exprimé autrement. Alors je pose la question : que signifie « trouver son style » ? Cela ne veut rien dire, ce dernier étant par définition, lié à l’histoire de l’auteur et à son époque : il est donc amené à varier tout au long de sa vie.

Au final, il existe deux choses. La manière de faire (le style) et l’interprétation.
La manière de faire dépend des facteurs extérieurs : en tant que chargée de communication, mon travail est principalement de créer des structures (de supports de communication). Je n’ai aucun doute que la méthode que j’emploie au quotidien soit la même utilisée par bon nombre de mes confrères/consœurs. La raison ? Le système codifié des entreprises dans lequel nous évoluons : les contraintes sont à peu près identiques.

Cependant, à procédé similaire : résultat souvent différent. En effet, nous n’avons pas tous, ni la même interprétation de la problématique à résoudre ; ni la même sensibilité aux sujets abordés.

Je conclurais en disant que Schiele aussi a représenté sa « Sainte famille » et que les sujets varient peu, contrairement à leurs interprétations, qui se comptent par milliers.

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Jeune fille au ruban, 2011 (d’après bas relief, musée du Capitole, Rome).30*30.

Jeune fille à la fenêtre, 2011 (d’après l’œuvre de Bronzino, 1538). 32*46.

Nous avons déjà évoqué dans des posts précédents la problématique du fond et de la forme. La « jeune fille à la fenêtre » présentée aujourd’hui, est une composition directement inspirée de la Sacra famiglia con san Giovannino de Bronzino. Revenons sur les méthodes artistiques du peintre.

Privilégier le « Comment » sur le « Quoi »

En bon florentin du 16^e siècle, Bronzino pratique l’art de la référence, qui consiste à partir d’éléments existants et à leur faire subir de légères modifications de manière à en transformer l’effet final. Il en résulte que le spectateur, pour pouvoir comprendre l’allusion, doit être aussi un initié. Ainsi, loin de tendre à rester fidèle à la nature, l’art de Bronzino consiste prioritairement à imiter l’art.

Peinture contre sculpture, l’éternelle lutte des classes

Au jeu de celle qui l’emportera par une plus haute noblesse de statut (sujet qui donna lieu à de nombreux débats enflammés à cette époque), Bronzino justifie sa préférence pour la peinture  en usant de trois artifices : la ligne, la complémentarité des points de vue, la couleur.

Aussi traite-t-il de façon linéaire toutes les limites, qu’il s’agisse des contours extérieurs des objets (silhouettes) ou de leurs formes intérieures (traits du visage).

Il pallie à l’impossibilité de «tourner » autour du sujet (comme on le ferait avec une sculpture) soit en étalant les corps dans la surface, soit en représentant plusieurs personnages dont les morphologies se « répondent », de manière à les faire se combiner en un seul et même corps, vu de face et de dos.

Enfin, l’impact d’une lumière réelle sur une sculpture ne produira jamais les changements de teinte que Bronzino multiplie dans les plissés des vêtements de ses personnages.

L’avis de Fresque moderne

Plus jeune, je croyais que le fond primait sur la manière de faire. Avec l’expérience et la pratique, il me semble que la forme et le savoir-faire supplantent toutes les idées, mêmes les meilleures. Pourquoi ne pas peindre de natures mortes ? A l’instar de Bronzino, je vous répondrais que le jugement esthétique est exempt de toute hésitation : le « beau » est à chercher dans l’art, plus que dans la nature.

Passages tirés de l’ouvrage de Maurice Brock, « Bronzino », Editions du Regard, 2002.

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